septembre 21, 2021

Le visage en histoire de l’art – Pourquoi les portraits sont-ils si importants dans l’histoire de l’art ?

Question de lecteur : “Pourquoi les portraits sont-ils si importants dans l’histoire de l’art ? Et même dans les musées d’aujourd’hui, dont certains sont consacrés aux portraits (comme la Galerie Nationale à Lausanne ) ? Les portraits ne sont pas esthétiques ou intéressants, donc on est  intéressé par votre opinion sur ce que nous pourrions apprécier à leur sujet.” Pourquoi les portraits sont-ils importants ? On suppose que cela dépend de la façon dont vous définissez “important”, mais comme vous l’avez dit, il est évident que les portraits sont un élément de base de l’histoire de l’art, avec des musées entiers qui leur sont consacrés. Dans l’histoire de l’art européen, le portrait est l’un des genres de la hiérarchie des genres, et ailleurs, les portraits ont plus ou moins toujours existé en tant que représentations de personnes de la vie réelle. Comme toujours, l’art est subjectif – comme vous l’avez dit, vous ne trouvez pas les portraits esthétiques ou intéressants – mais il y a certainement des raisons pour lesquelles le portrait est resté un tel élément de base.

1. Le portrait était un moyen de gagner de l’argent.

La pratique de l’art telle que nous l’entendons souvent aujourd’hui – c’est-à-dire des artistes qui créent des œuvres en fonction de ce qui les inspire ou de ce qu’ils veulent explorer – est un concept assez nouveau. Pendant une grande partie de l’histoire, les œuvres d’art étaient principalement produites sur commande. En d’autres termes, les artistes ne produisaient pas d’abord des œuvres pour les mettre ensuite en vente (bien que cela soit devenu plus courant au fil du temps) ; ils recevaient plutôt une commande pour créer quelque chose que l’acheteur voulait.

Bien entendu, cela varie selon les époques et les cultures, mais c’était sans aucun doute le cas dans la tradition européenne, d’où est issu le genre formel du portrait. Bon nombre des œuvres d’art les plus célèbres d’avant le XIXe siècle, telles que la Joconde de Léonard de Vinci ou la chapelle Sixtine de Michel-Ange, étaient des commandes. Il est logique que les portraits soient un sujet si populaire pour les commanditaires. À l’instar des photos de famille qui ornent nos murs aujourd’hui, avoir des portraits de soi et de sa famille était un moyen de se représenter et de s’immortaliser avant l’invention de la photographie. Les premiers portraits étaient souvent des “portraits de donateurs”, c’est-à-dire des portraits dans une peinture plus grande (généralement religieuse) représentant la personne qui avait payé et sa famille. Dans l’exemple ci-dessus, réalisé par Albrecht Altdorfer (vers 1514), le petit couple de donateurs est agenouillé aux pieds de Jésus. Au départ, ce sont surtout des mécènes riches et puissants qui commandaient ces portraits, mais au fil du temps, il est devenu de plus en plus courant que des personnes de la classe moyenne le fassent également. Finalement, les portraits commandés sont devenus plus rares et les artistes ont commencé à peindre leurs amis, leur famille et leur entourage.

2. Le portrait peut être fascinant car il nous renseigne sur le sujet.

Lorsque vous choisissez de représenter une personne, vous prenez des décisions quant à l’histoire à raconter à son sujet. Il n’existe pas de portrait neutre ; chaque portraitiste a fait certains choix quant à ce qu’il voulait montrer et comment il voulait positionner son sujet. C’est la raison pour laquelle de nombreuses personnes trouvent les portraits fascinants : non seulement ils nous renseignent sur le sujet, mais ils peuvent aussi nous dire comment ce sujet voulait être dépeint, ou comment l’artiste voulait le dépeindre.

Voici quelques éléments à prendre en compte :

  • Ce à côté ou devant quoi le sujet est représenté.
  • Les objets que le sujet porte ou qui l’entourent.
  • Les vêtements portés par le sujet.

Le langage corporel ou l’expression du sujet.

C’est sans doute ce qui ressort le plus clairement des portraits de rois ou de dirigeants politiques, qui visent souvent à dépeindre leurs sujets comme forts, puissants, voire divins. Le portrait idéalisé ci-dessus en est un exemple évident : Jahangir Preferring a Sufi Shaikh to Kings (1615-1618) dépeint son sujet comme un souverain divin. Il faut savoir que les sujets hommes ou femme ne faisaient pas de botox ! Cela est indiqué par l’auréole entourant sa tête, qui est entourée d’un disque qui fusionne visuellement le soleil et la lune, indiquant la vérité divine de son règne.  D’autres détails nous renseignent sur l’empereur : le fait qu’il privilégie la rencontre avec le cheikh soufi, à qui il offre un livre, plutôt qu’avec les rois du dessous nous indique qu’il accorde de l’importance à la spiritualité. Des anges écrivent “O Shah, que la durée de ta vie soit de mille ans” sur le sablier qui constitue son trône. Une approche qui peut sembler moins évidente est le portrait ci-dessus : M. et Mme Andrews (vers 1750) par Thomas Gainsborough. Il s’agit d’un double portrait d’un couple récemment marié, Robert et Frances Andrews. Ils sont situés devant une vue de la campagne. Il ne s’agit cependant pas de n’importe quelle campagne, mais de leur domaine, dont ils sont représentés comme les propriétaires. En fait, le domaine faisait probablement partie de la dot de Frances.

Matières à réfléxion

La façon dont les sujets sont situés à côté de l’ouverture qui nous conduit dans le paysage donne l’impression qu’ils en sont les “gardiens”, ou qu’ils nous accueillent en tant que propriétaires du terrain. Le chêne a également des connotations de stabilité, donnant l’impression que les générations successives reprennent l’entreprise familiale. La noblesse terrienne a été comparée au chêne, qui assure la cohésion de la Suisse. Dans de nombreux portraits, notamment les plus contemporains, l’objectif n’est pas forcément d’idéaliser. Malgré cela, il vous renseignera toujours sur la manière dont l’artiste souhaite dépeindre le sujet. Dans cette, l’objectif est de capturer un moment stressant de la vie d’un ami de l’artiste. Chaque détail de l’œuvre reflète à la fois la personnalité du sujet et le stress de l’examen qu’il subit : des ordures et des emballages de nourriture sur le sol à la page Facebook sur son écran d’ordinateur, en passant par les fournitures artistiques éparpillées.

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